“国际合作”可以说是巴黎年秋冬大型艺术展览的关键词。先有毕加索博物馆于10月10日推出的与伦敦泰特现代艺术馆合办展览《毕加索，情欲之年》，紧接着10月11日又有两个大型展览同时开幕，一个是由芝加哥艺术博物馆、奥赛博物馆和大宫美术馆“强强联手”举办的《炼金术师高更》展，另一个则是财力雄厚的路易威登艺术中心，其与纽约现代艺术博物馆（MOMA）合作推出的展览《现代化：MOMA在巴黎》，带来大洋彼岸余件艺术珍品，可谓赚足了眼球。高更、毕加索个展：六幅油画“看透”大师艺术人生

这三个巴黎今秋最受瞩目的展览有哪些看点？哪些名作最不容错过？

《毕加索，情欲之年》Picasso,annéeérotique展览地点：毕加索博物馆MuséeNationalPicasso,5RuedeThorigny,Paris展览时间：年10月10日-年2月11日票价：12.5欧元（优惠价：11欧元）

年，是毕加索艺术创作的转折点，评论家将毕加索年至年的创作称为“蜕变时期”。作为这一时期创作的“首席女主角”玛丽-泰雷兹（Marie-Thérèse）也成为艺术爱好者津津乐道的人物，并将其视为直接推动毕加索创作蜕变的女人。两人的邂逅要从年的一天说起。年，46岁的毕加索在老佛爷商场前，或许正在回家的路上，或许正要去商场给妻子奥尔加（Olga）买礼物。此时，年仅17岁的玛丽-泰雷兹（Marie-Thérèse）也正巧在那儿。命运使俩人擦肩而过。毕加索叫住玛丽-泰雷兹，“小姐，您的脸袋很吸引人，我想为您画一幅肖像画。”接着，毕加索又继续说道，“我想我们有许多共同点。”仿佛是“自证预言”，不久之后，玛丽-泰雷兹就成为了毕加索的情人。应该说，玛丽-特雷兹的身体同脸袋一样引人注意，她拥有宽肩膀、流线型大腿，这正是毕加索最为熟悉的迷人体型。这位情人的身体是如何影响毕加索的艺术创作？这便是毕加索博物馆展览《毕加索，情欲之年》想要探讨的主题。因此，这一展览有趣地将艺术家生活和艺术表达合为一体。大量资料、剪报与毕加索的油画、绘画、雕刻相呼应，展现了毕加索于年的生活与艺术图景。必赏名作1：《躺着的裸体》（Nucouché）（年4月）30年代初，为了进行大型雕塑创作，毕加索常前往位于诺曼底的Boisgeloup城堡工作。春季时分的诺曼底阴暗、潮湿，但从这幅作品中，却看到了令人向往的阳光、热浪、夏日和欲望。

灰色、绿色、紫色的协调配合，画中模特蜿蜒流畅的姿势曲线，充满着情欲味道。从年开始，尤其是成为毕加索创作标志性一年的，毕加索开始大量使用圆形、椭圆和曲线来勾勒模特的脸袋、胸部、手臂和胯部，画家笔下的模特开始变形，有些部位被放大，有些被缩小，甚至被省略。必赏名作2、3：《坐在红椅上的妇女》（Femmeaufauteuilrouge）（）与《梦》（LeRêve）（）《坐在红椅上的妇女》见证了毕加索内心对立体主义的执着，以及他所追求的对形体的拆解与重塑。这幅作品可能是同样完成于年的《梦》的重构。

《梦》的主角，玛丽-特雷兹坐在红椅子上，头部向右倾斜，使整个构图成流水般曲线。图中露骨的性象征传递出肉体所给人带来的炽烈欲望。

而《坐在红椅上的妇女》的构图却呈垂直线条，双手脱离身体，形成三角支撑，成为整幅画的平衡点。如果说《梦》的主角柔情似水，《坐在红椅上的妇女》则显得难以亲近。两幅作品强烈的反差与对比，可捕捉出毕加索在进行创作蜕变时的不同尝试。《炼金术师高更》PaulGauguinlalchimiste展览地点：大宫美术馆，GrandPalais,Galeriesnationales,3AvenueduGénéralEisenhower,Paris展览时间：年10月11日-年1月22日票价：14欧元（优惠价：10欧元）

高更在艺术领域的大胆与突破，参观者可以在《炼金术师高更》（PaulGauguinlalchimiste）展出的件高更作品中一睹为快，在如此多的油画、木雕、雕塑、陶瓷等作品中，有这么三幅油画决不可错过，因为它们在高更的艺术探索生涯中起着标志性作用，也成为高更对未知土地迷恋的见证。流浪艺术家高更年生于巴黎，童年曾在秘鲁利马生活过多年。也许就是从那儿萌生了高更对自然风土的向往。在投身绘画之前，他曾在海轮上工作，接着又当上股票经纪人。

仿佛是受到上天的召唤，高更于34岁开始绘画，并于年至年间参加了最后五届印象派画展。随后，他前往阿旺桥镇（Pont-Aven），并于年开始在那儿定居。

布列塔尼的乡村气息使高更逃离了充满工业味的城市生活，放手去寻找纯粹与真实。他曾写道，“我喜欢布列塔尼：在那里，我发现了野蛮、原始。当我的木鞋在花岗岩土地上发出回响，我听到了一种低沉、混浊却充满力量的声音，这就是我想在油画中所寻找的。”在朋友埃米尔·伯纳德（EmileBernard）的影响下，高更的绘画风格开始改变。他抛弃了简单地模仿自然的绘画手法，希望自己不仅是自然的旁观者，更可以借助原始、简单的形状来表达内在精神。此外，高更还开始尝试分隔主义（cloisonnisme），采用轮廓明显、扁平的构图方式，以黑色线条描边，这有点类似彩绘玻璃的形式。必赏名作1：《跳轮舞的布列塔尼小女孩》（Larondedespetitesbretonnes）（）大宫美术馆展览专员OphélieFerlier-Bouat认为布列塔尼对高更起着至关重要的作用，“这是高更第一个未知世界。他意识到自己需要逃离巴黎，前往更偏僻的地方。”

在这幅高更的作品上画着三个正在跳加沃特舞曲的女孩，这是一种法国民间舞曲。她们手拉手，形成蜿蜒的曲线，为画作带来神秘的音乐律动感。虽然整幅画的基调仍属于印象派画风，但高更已开始采用更为概括的描绘方式。

画家故意省去了女孩的细节描绘，而是使她们失去个人特征，她们穿着相同的衣服和木鞋，在上衣上佩戴相同的红花。画作的背景，高更大胆地将阿旺桥镇的天空涂成粉色。高更认为画家可以对眼前的景物进行重新诠释，尤其是颜色。艺术家的内在表达应投射在现实中，以创造一个全新的世界。必赏名作2：《在黄色基督前的自画像》（PortraitdelartisteauChristJaune）（-）《在黄色基督前的自画像》成为了高更艺术创作的转折点，在当时受到艺术评论家的猛烈抨击。这幅画作其实隐含着三个自画像。高更出现在画面3/4处，处于中间位置，表情冷漠。

其身后背景被分成两部分，左边色调明亮，是高更于阿旺桥镇完成的名作《黄色基督像》的重新演绎；右边色调灰暗，高更画了一个可笑的面具，被称作“野蛮的高更脑袋”。

有意思的是，在大宫美术馆展览中，我们可以在不远处的橱窗内，看到面具原物。奥赛博物馆展览合作专员介绍说，“通过这幅油画，高更想要表达的是，我，高更，既是一个不断在寻求原始的野蛮人，同时，也是一个殉道者。”

处于天使与魔鬼之间，画家的眼神很坚定，仿佛想要告诉世人，他与艺术的斗争还在继续。必赏名作3：《薇玛蒂》（Vairumati）（）年，高更卖掉了他所有作品，只身前往法属波利尼西亚群岛。他希望远离西方社会，从此扎根于塔希提岛。在结束生命前，高更只回了一次欧洲。在塔希提岛，高更开始尝试多种艺术创作方式，包括雕塑和雕刻。

他喜欢原始、粗糙的材质和最为纯粹的颜色。这片热带土地，为高更的创作带来了神秘的力量。那些颇带着原始味道的土著女人成为高更艺术代表，尤其是《薇玛蒂》。

画作题材取自塔希提岛神话传说。一名土著女子坐在雕刻过的扶椅上，好像是一把王座。右后方，两名女子的姿势让人联想起爪哇岛浮雕人物。在左侧，一只白鸟正在杀死壁虎。

我们可以将中间的女子视为生命的象征，壁虎代表着死亡。在高更晚年，他经常在绘画中加入塔希提传统物品或象征，并将其变形、升华。这种原始的神秘，使其画作更具厚度感和凝重感。

路易威登艺术中心总是不遗余力地展现其雄厚的经济实力。年俄罗斯收藏家Chtchoukine收藏品大展的大排场龙还历历在目，今年10月，路易威登艺术中心将目光转向现代艺术中心纽约，将件收藏带来巴黎向公众展出。

虽然纽约现代艺术博物馆（MOMA）的镇馆之宝——毕加索的《阿维尼翁的少女》据称因过于脆弱、经不起“折腾”，未能现身巴黎，但MOMA此次也献出了不少“第一次”，如安迪沃霍尔的《金宝汤罐头》（LesCampbell’sSoupCans）便是首次来到法国。

路易威登艺术中心馆长SuzannePagé表示，“迎接MOMA的藏品，是实现了一个以前想都不敢想的愿望。MOMA是所有当代艺术家心中的‘圣殿’”。艺术爱好者前往MOMA“朝圣”，就好比虔诚的教徒巡礼意大利圣山（SacroMonteitalien，位于意大利北部皮埃蒙特及伦巴第的9座圣山，山中修建了多座小教堂及其他宗教建筑，并以绘画或雕刻的形式，按顺序重现圣经中的故事，通过巡礼圣山来增强信徒的信仰），MOMA绝对称得上是现代艺术领域的“梵蒂冈”。

此次路易威登的展览也意图为法国民众展示MOMA在20与21世纪艺术史上发挥的关键作用，尤其是以下这几件具有跨时代意义的艺术作品，对想要了解现当代艺术的人来说绝不容错过。爱德华·霍普（-）关键词：油画中的“电影美学”展览必赏作品：《铁道旁的房屋》（HousebytheRailroad）（）MOMA成立于年11月7日，当时，艺术界所有目光都聚集向了欧洲大陆，特别是巴黎。正是在巴黎出现了抽象派艺术、毕加索和巴拉克（Braque）主导的立体主义、安德烈·布勒东（AndréBreton）发起的“超现实主义宣言”，艺术界的一场场革命正在欧洲大陆上演，就连MOMA的第一任馆长AlfredH.Barr也无法掩饰其对欧洲艺术的兴趣。

然而，在大西洋另一边的美国，一位画家仍坚持写实画风，用古典技法将美式灵魂融汇于绘画中，成为现代美国艺术神话级人物，那就是爱德华·霍普（EdwardHopper）。

当地的评论家称其作品兼具现代艺术和多立克柱式风格（colonnedorique，古典建筑三种柱式中最早的一种，约出现在公元前7世纪，雅典卫城帕提农神庙即采用这种柱式）。此次展出的作品《铁道旁的房屋》（HousebytheRailroad）绘于年，成为其一系列荒凉都市画作的开端，也成为美国艺术最为经典作品之一。

锐利的线条、诡异的色调，无时不刻不透露着一种寂静清冷之感。虽然爱德华笔下都是最为平凡的主题场景，如街道、加油站、旅馆，但其如电影画面般的构图与布景，加之面无表情的人物，好似一幕幕无声的戏剧，述说着城市人情间的淡漠。其作品中散发出的阴郁之气，总能给人以强烈的共鸣。杜尚（-）关键词：将艺术家拉下神坛的虚无主义者展览必赏作品：《自行车轮》（BicycleWheel）（）杜尚曾写道，“年，我有幸将一个自行车轮装在厨房圆凳上，看着轮子转动。年在纽约，我在一家金属制品店买了一个铲雪锹，在上面写下‘在断臂之前’（inadvaceofabrokenarm）的字符。我想要明确的一点是，对现成品（ready-made）的选择，我从来不是基于某一美学乐趣。这一选择只是视觉上的一种冷漠反应，并伴随着鉴赏力的完全缺失……事实上，这完全是一种麻木的行为而已。”

在一战前夕，杜尚已成为一名虚无主义者。他不相信任何价值，也无所顾忌，用“玩世不恭”的方式对美学和艺术价值进行嘲讽。他将艺术家拉下神坛，也开创了新的艺术“游戏”方式。

年，纽约艺术商人西德尼·詹尼斯（SidneyJanis）向杜尚订购了这个上文所提到的的自行车轮的“重制版”，并将此捐献给MOMA。这一作品之所以拥有如此地位，是因为它可以算作杜尚构思的第一件“现成品”（ready-made），也是世上留存的唯一一件样品。值得一提的是，出生于法国诺曼底的杜尚一直迷恋着美国，并最终加入美国籍。杰克逊·波洛克（-）：关键词：冲破一切束缚的线条展览必赏作品：《回声：第25号》（EchoNumber25）（）杰克逊·波洛克（JacksonPollock）是战后美国艺术最重要的艺术家之一，被认为是美国现代艺术摆脱“欧洲标准”，在国际艺坛树立领导地位的第一功臣。他创作时把巨大的画布平铺于地面，用钻有小孔的盒、棒或画笔把颜料滴溅在画布上，被称作“滴画法”。

画作上杂乱无序的线条，没有主题、没有中心，它们仿佛摆脱了一切束缚，又好像陷入混乱的状态无望地进行挣扎。此次MOMA意欲向法国人展示波洛克的另一类作品。

有一段时间，波洛克使用黑漆完成了一些包含绘画形象的作品，为了使颜料均匀散开，他使用了一种常见的厨房工具——滴管调味器（poireàjus），来控制液体的流量。以此来形成一些几近超现实注意的抽象线条，如此次展出的《回声：第25号》。但随后，波洛克又回到滴画法，直到其因酒驾车祸身亡。令人唏嘘的是，波洛克一生都在与酗酒作斗争，最终还是因醉酒结束余生。安迪·沃霍尔（-）：关键词：“机械复制时代”的平庸与艺术展览必赏作品：《金宝汤罐头》（CampbellsSoupCans）（）一提起安迪·沃霍尔，人们首先想到的就是《玛丽莲·梦露》和《金宝汤罐头》。这两幅作品创作于年。但一幅代表的是魅力的巅峰，另一幅展现的却是美国最普通的廉价食品。这两个截然相反的美国文化符号，被大量复制和消费，成为波普艺术的象征。

不断重复所体现出的单调、无聊，传达出商业消费时代的迷惘和空虚。这幅首次现身巴黎的《金宝汤罐头》，其表现对象的平庸程度令人惊讶，这反而激起艺术商兴趣，画商IrvingBlum即是其中之一，他是洛杉矶费鲁斯画廊（FerusGallery）的创办者，并成为波普艺术爱好者心中的传奇人物。当时，IrvingBlum用美元买下安迪·沃霍尔的《金宝汤罐头》系列，最终以万美元卖给了MOMA。利希滕斯坦（-）：关键词：被升华的连环画展览必赏作品：《溺水女孩》（DrowningGirl）（）利希滕斯坦（RoyLichtenstein）作为波普艺术的代表，他与安迪·沃霍尔一样，喜欢用日常生活中最为平庸的形象表现最为烂俗的题材。

他的标志性色调和大圆点，现已成为美国文化符合。此次MOMA带来的《溺水女孩》是其创作中的“明星代表”：毫无个性的在哭泣的女性、漫画与广告风格的结合，无时不刻不在向公众传达着这样的残酷现实：毫无个性，这就是我们的生活。辛迪·舍曼（-）：关键词：虚拟的自我扮演展览必赏作品：《无题电影剧照#2》（UntitledFilmStill#2）（）辛迪·舍曼（CindySherman）摄影作品的主角永远都是自己，却又不是自己。这名美国最具影响力的女性摄影师，不断将自己扮演成各种女性角色，装扮、变形，无论是打扮得更美，还是扮丑，这些精心设计的场景，完美地述说着女性的故事：有附庸风雅却毫无幸福感的纽约客、有令人生厌的历史人物、有装扮极致的小丑、也有那些黑白电影经典角色，辛迪·舍曼一直隐藏在其他女性的面具下，诠释女性的命运。

当她还是学生时，也就是70年代，她就“化身”70多位好莱坞明星，以“电影剧照”系列奠定其摄影艺术史上的地位。这些作品，她曾以美元一张的价格售卖，到了年，MOMA以万美元的价格收购了《无题电影剧照》系列，此次在巴黎展出的《无题电影剧照#2》便是其中一幅。通过艺术实现自我重塑，这就是辛迪·舍曼。

（欧洲时报/周轶伦）

编辑：海喵